Cuando comencé con la guitarra tenía solo 7 años. En ese tiempo, ´jugar´ y la guitarra eran en gran parte lo mismo.

Sin embargo, eran los años sesenta y no podías escapar de la figura gigantezca de Segovia con todo lo que ésta significaba, en cuanto a como "se suponía" que debías sostener el instrumento, la manera en la que "se suponía" que debías puntear las cuerdas, la manera en la que "se suponía"  que debías limarte las uñas, la manera en la que "se suponía"  que debías tocar una frase musical...  Y habiendo luego sido yo mismo un alumno de Segovia, el proceso de encontrar mi propia manera en el mundo de la guitarra se me hizo aún más difícil..

Todos necesitamos de modelos cuando estamos tomando nuestros primeros pasos en cualquier disciplina de vida.  Tener un maestro de guitarra debe ser una prioridad... tener un buen maestro de guitarra debe ser una máxima prioridad. 

Me ha tomado años darme cuenta de que los mejores maestros son aquellos que nos guían en el descubrimiento de nuestro propio, personal y único modo de tocar.

Debemos comprender que cuando tratamos de copiar un modelo de guitarrista, todo lo que podemos soñar es llegar a poder tocar tan bien o casi tan bien como el modelo.  Nunca conocí a ningún guitarrista que fuese lo suficientemente perfecto como para decir "La guitarra debe ser tocada como la toco yo".

Así que, por qué seguimos imitando?  El motivo, una vez más, es que no hemos tenido la buena suerte de toparnos con el  gran maestro que buscamos.

Mira estas 3 manos derechas, y posiciones de las mismas efectuadas por 3 guitarristas únicos y famosos....

A. Segovia

C. Parkening

F. Tárrega

No hace falta más que una mirada rápida para ver que tienen muy poco en común...  aún así su forma de tocar es simplemente bellisima. Al mismo tiempo, todos tenemos nuestro gusto y preferencias musicales... puede encantarme la forma de tocar de Segovia... si... pero igual desearía que no hiciera tanto ruido con la mano izquierda... o puede encantarme como toca Parkening pero igual me gustaría que no hiciera esto o aquello... etc, entiendes la idea.

Pienso amenudo que el secreto del toque de estos maestros es: no te tomes la guitarra tan "en serio"...pero al mismo tiempo, sé un profesional en tu modo de hacer esto.  Después de todo, no estamos lidiando con la Santa Biblia... La voz de estos maestros NO es la voz de Dios sino la de ellos.  Esta es la enseñanza más grande: encontrar tu propia voz con la ayuda de un maestro

Viví más de 2 décadas en el Paraguay, donde el 90 porciento de los guitarristas son autodidactas folclóricos.  Me asombra constantemente ver como estos intérpretes encuentran la forma de tocar las frases musicales más bizarras.  A veces creo que representan -sin quererlo- una parte de nosotros que ha sido parcialmente perdida o desatendida.

Te pido amablemente dejarme tus impresiones en forma de email o firmando el libro de visitas.  Es la mejor manera de dejar marca de tu paso por estas páginas y me hace muy feliz.

Cuando pienso en la técnica de la guitarra, pienso no solo en la manera mecánica de lograr un resultado dado, sino en un concepto mucho más amplio.  Recuerda que nuestra técnica constantemente está cambiando, o para usar una palabra un poco más moderna, se está actualizando.  Si miramos los métodos tradicionales de guitarra, veremos como cada uno de ellos se aproxima a la técnica de una manera estática, distante, anti-musical, independiente, alienada.  Lo que es aún peor es que ni siquiera sabemos a qué piezas del repertorio guitarrístico se pueden aplicar estos ejercicios. 

De hecho, la mayoría de estos métodos de guitarra suelen consistir de una serie de ejercicios increiblemente aburridos que te hacen creer que la única manera de adquirir una dada habilidad es de ¨tragar la píldora amarga¨.  Los tiempos están cambiando constantemente y para que un guitarrista moderno se mantenga al día con su vida - lo cual seguro incluye mantener un trabajo - sería ridículo esperarse que las pocas horas que podemos dedicarle a la práctica sean dedicadas a estos ejercicios anti-musicales horribles. 

Si pensamos en la música, o en la pieza que nos encantaría tocar, entonces sí estamos pensando más a lo siglo veintiuno.  Ya que no existe ningún método en el mundo que cubra todas las dificultades técnicas posibles, - y esto sin mencionar que no queremos cubrir todas las dificultades técnicas sino simplemente las que están involucradas con la pieza que estamos aprendiendo, enfoquemos nuestra atención en nuestro objetivo principal:  la pieza que amaríamos tocar... AHORA.  Y mientras vamos trabajando la pieza, estaremos mejorando nuestra musicalidad y técnica.  Las ediciones de Abel Carlevaro "Guitar Master class" están basadas en este concepto.  La serie de clases magistrales en este sitio están basadas en los conceptos de Carlevaro.  Cada vez que encuentras un desafío técnico en una pieza que quieres aprender, crea tu propio ejercicio para superarlo.  El siguiente video muestra este concepto basado en una dificultad técnica en La Catedral de Mangoré. 

Recuerda que no existe tal cosa como repertorio principiante, avanzado o intermedio sino un repertorio de ¨me gusta... no me gusta¨  ES LA VERDAD. 
Usaré Real Audio para mostrarte lo que quiero decir.  Y te lo voy a mostrar a través del aprendizaje de una pieza online, mostrándote el proceso.  (La sección Accede a las Clases Online de Mangoré te lleva a través del proceso de aprendizaje) 

Me estoy preparando para una competencia de guitarra en España - Primavera 1997 - y acabo de recibir las partituras.  Lo que voy a hacer es recorrer el proceso de aprendizaje contigo.  La pieza obligatoria para la primera ronda es ¨Homenaje a Tárrega¨, de Joaquín Turina.  (típico! los concursos siempre son un territorio de ¨piezas nunca tocadas¨) 

Abro la tapa y veo las primeras dos secciones:  Garrotín, Allegretto.  Aham... a ver si tengo la pieza grabada.... ¡sí! ¡la tengo!  La tengo grabada por Julian Bream y John Williams.  Encuentro muy útil escuchar una pieza antes de aprenderla, especialmente si no la conozco.  Luego la escucho con la partitura en frente mío, para ver dónde está la ¨interpretación¨ del que la ejecuta en la grabación. 

Definitivamente me gusta más la versión de Bream.  Es vivaz y hace un excelente trabajo.  Todo un desafío... y soy afortunado esta vez porque la música de los concursos es a menudo, por no decir siempre, fea.  Estas piezas obligatorias en particular al menos son decentes... 

La cosa más importante para un músico es la cualidad de su sonido.  Al desarrollar nuestra técnica nunca debemos perder de vista este elemento importantísimo de la interpretación. Puedo afirmar que si nos concentramos en el sonido, desarrollaremos  una técnica que esté en armonía con este elemento clave.  No olvides que la singularidad de la guitarra clásica está en el hecho de que la cualidad del sonido y su producción están físicamente relacionados con nuestros dedos y nuestras uñas.  No lidiamos con teclas, arcos y otros mecanismos, sino que con nuestro propio cuerpo... MARAVILLOSO! 

Esto también significa que nuestra técnica naturalmente será re-creada con cada nueva pieza que aprendamos.  No existe tales cosas como La Técnica Segovia, La Técnica Carlevaro, Tárrega o Llobet, que sean suficientemente buenas para nosotros.  (Sigue este link para aprender sobre ¨secretos¨ técnicos") Debemos llegar a decir que utilizamos ¨nuestra técnica¨.  Siempre es sabio ver qué tienen para decir los grandes maestros sobre cualquier aspecto de la producción del sonido, y también debemos tener la paciencia y personalidad para poder leer entre las lineas y re-examinar cada uno de estos aspectos para ver cuáles y cómo se aplican a nosotros.  Al mismo tiempo, debes creer que puedes crear algo nuevo con tu interpretación. 

Recuerdo una clase magistral con Elliot Fisk en la que él ¨orgullosamente¨ mostraba su dedito chico de la mano izquierda (foto abajo)... que era tan largo como su anular!!! Bueno, no hace falta ser un genio para darse cuenta de que ciertos pasajes musicales que son naturalmente digitados por Fisk para funcionar con sus manos sencillamente NO FUNCIONARÁN con nosotros.  Tomen mi palabra. 

Tendremos que pensar musicalmente y preguntarnos:  -Qué debo hacer con mis manos para lograr este resultado particular? 

La secuencia muestra como un dedo hace contacto con la cuerda (1), aplica presión de tal modo que la cuerda quede entre la carne y la uña (esto se llama plantar). Luego el ejecutante siente la cuerda con la carne (2).  La presión justa se aplica de tal modo de lograr el volumen deseado antes de soltar la cuerda. (3 & 4).  El ángulo en el que esta secuencia se ejecuta logrará el color de nuestro sonido.